미술사 25, 노동자 계급에 의한 국가적인 수집품

애국심을 고취

시민 소요가 우려되는 영국에서는(프랑스 혁명의 결과와 산업 혁명에 참여한 가난과 빈곤의 결과로도)예술 화랑을 찾는다.  노동자 계급에 의한 국가적인 수집품에 대한 애국심을 고취시킴으로써 평화를 유지하는 수단으로 장려되었습니다.  이 소장품들은 항상 토착적인 예술품들이 아니었다.  영국 예술가들의 작품보다 비슷하게, 영국 박물관은 대부분 그레코-로만 유물을 소장하고 있다.  하지만 이것들은 여전히 국가의 위신을 나타내는 표시로 여겨졌다.  빅토리아 알버트 박물관은 이러한 경향의 중요한 예이다.  1857년에 설립된, 그것은 공예에서부터 대량 생산된 상품에 이르기까지 모든 종류의 공예품들을 포함하고 있는데, 그것은 좋은 취향의 기준을 세우기 위해 일반 대중들에게 보여졌다.  이와 함께, 대영 제국으로부터 계속해서 확장되고 있는 높은 미술 작품들-그림과 조각-은 영국의 기량과 그 당시 그 수준을 상기시키는 것으로 전시되었다.  전 세계에 보급된 이러한 방식으로 우리는 비 서양 문화의 예술사가 어떻게 영국의 중요성에 대한 이야기로 포함되었는지를 알 수 있다.  이 물건들의 유일한 기능은 영국의 이미지를 구축할 때 그들이 했던 역할이었다.  그들은 그 자신의 권리에 대한 역사가 없었다.  그것은 우리가 2장에서 이미 논의했던 미술사의 문제이다. 

국가 정체성

이 런던 기관들은 유럽 전역에 걸친 현상을 나타내고 있었다.  19세기 후반, 이러한 공공 기관들 외에도 세계 박람회는 예술과 국가 정체성을 바라보는 중요한 도구가 되었다.  이것들은 세계의 예술과 예술이 표현된 거대한 사건들로 그들은 더 큰 이야기의 일부가 되었다-아마도 제국의 개념이나 선사의 개념을 지지하는 것일지도 모른다.  산업 시대의 도깨비 이것은 Hegel이 생각한 역사적인 것과 관련된 의도적인 순서이며, 그 정신은 예술에서 두드러진다. 

미술사가 발표되는 방식에 대한 나의 논의는 유럽의 전통에 집중되어 왔다.  예술을 전시하는 방법, 이 전시물들에 있는 예술의 종류, 그리고 국가 정체성 사이에는 연관성이 있다는 것은 명백하다.  우리는 또한 어떻게 미국의 소장품과 예술 기관들이 이 유럽 모델에 배치되었는지를 보았다.  미국 예술이 고립에서 벗어나 세계 무대로 나아가기 시작한 것은 20세기 후반이었다. 

사회적 지위를 향상

연방 미술 프로젝트(1935-43)는 1930년대 대공황에 대한 대응으로 루스벨트 대통령의 뉴딜 정책에 따라 세워졌다.  이것은 많은 예술가들이 그들의 관심의 결과로 활력 있는 경험을 얻고 사회적 지위를 향상시켰기 때문에 이전 세기에 유럽에서 설립된 학원들과 어느 정도 유사하다.  벽화와 공공 건물에서의 작업을 포함한 프로젝트의 공공 예술 작품들로 장식됩니다.  잭슨 폴록과 윌엠 드 쿠닝은 둘 다 이 계획으로 이득을 보았다.  동시에, 살바도르 달리, Piet Mondrian과 같은 유럽의 주요 인물들의 작품을 판매하는 미술상인 뉴욕의 개인 미술관의 성장은 많은 자극제가 있음을 보장했다.  이 미국 예술가들을 위해 이 외에도, 1929년에 설립된 뉴욕의 현대 미술관에서 대중들의 현대 미술 소장품을 접할 수 있었다.  이 프로젝트에 의해 촉진된 국가적 스타일은 처음에는 소비에트 사회주의적 현실 주의자들과 같았으나, 초현실주의자들과의 접촉은 폴록에게 추상적 표현 법–은 회화적이고 비정형적인 효과를 통해 표준 예술의 영향을 거부한 아편 움직임 비록 이러한 예술에 대한 정부의 직접 자금 지원은 1943년에 끝났지만, 2차 세계 대전 이후의 현실주의는 너무 좌파적으로 보였다.  대신에 추상적 표현 주의는 자유 세계의 예술로 간주되었고 이것은 더 은밀한 본성이기는 하지만 국가 지원을 계속해서 즐기고 있다.  잭슨 폴록의 에코는 뉴욕의 현대 미술관에 걸려 있다.  그것은 폴록의 드롭스화의 한 예로, 바닥에 놓인 캔버스 위에 붓이나 막대기로 그림을 그렸다.  그 화가의 팔이 움직이면서 그림 표면에 무늬가 생겼다.  이것은 꽤 즉흥적이지만, 그것은 또한 폴록이 완성된 작품을 통제할 수 있게 해 주었다.  그 기법은 예술가의 무의식적인 모습을 그린 일종의 '자동화'라는 초현실주의적인 발상에 영향을 받았다.  이 기술의 설명은 전통적인 학문의 이성에 대한 의존과 합리성이 예술의 과정에서 제거된 방법을 가리킨다.  대신, 캔버스는 예술가 자신의 창조적 과정의 기록이 되었습니다.